Sala Equis
Manipulaciones de lo físico
11-22.09.2024

En el año 1895 se inventó un artilugio casi mágico que era capaz de capturar la imagen en movimiento, imágenes que podía después reproducirse en cualquier lugar del mundo. Para ello, se necesitaban un par de elementos fundamentales, un cinematógrafo, que más tarde se separó en una cámara para recoger la imagen y en un proyector (elemento que da nombre a este festival) y que tenía la capacidad de descubrir la imagen al impulsar luz a través de la película. Esta película es el elemento físico, la cinta que registra las imágenes.

Esta cinta ha perdido protagonismo desde finales de la década de los noventa, cuando el formato digital empezó a ganar popularidad, sinónimo de la constante evolución y experimentación de los artistas y artesanos de este gremio. Sin embargo, los artistas que se proyectarán estos días en Sala Equis son ejemplo de la experimentación con el formato físico, la cinta fotográfica.

“Opaline” es un videopoema que nos trae Alix Galdin, artista fotógrafa y cineasta autodidacta franco-canadiense que primero con polaroid y más tarde con película en sus diversos formatos (35mm o, como en el caso de la pieza proyectada, 16mm y Super8) ha trabajo con la técnica de revelado en plata y la ha combinado con otras técnicas más actuales.

Como la propia artista cuenta, este trabajo se capturó primero con una cámara de 16mm, para ser después refilmado en Super8 y finalmente coloreado a mano.

Esta manipulación del formato físico pretende crear una imagen borrosa, cercana a un recuerdo que está presente, pero que para nada quiere ser nítido y que, junto al poema escrito por la propia Alix Galdin y con la música de Vivian Lee, narran la historia de una infancia sumida en la vorágine de una familia rota, una memoria ansiosa y violenta con la que aún se ha de cargar.

Como hemos podido ver, la historia de la imagen en movimiento es una historia de experimentación, y como la artista Beatriz Freire (por) nos recuerda los proyectores primitivos de cine son una construcción que nació a partir de que se adaptara una máquina de coser para esta función fílmica.

Freire es una artista textil y visual que busca crear su obra bajo el enfoque de «textil expandido» y en su obra “Descartes LAV”, une la artesanía fílmica y téxtil, uniendo descartes de cintas de 16mm con un hilo de algodón negro, centrandose en la materialidad del formato sobre el contenido de la misma. Esta fusión entre película y costura se verá culminada con el sonido, que será precisamente el de la máquina de coser, evocando a esos proyectores originales.

Siguiendo el camino de la experimentación con la cinta, tenemos la obra de Abinadi Meza (eeuu/méx), “Eyes Break Into a Thousand Lights” donde el artista prescinde del uso de la cámara para trabajar directamente con el formato físico, concretamente con la película de 16mm. Se consigue crear una imagen cambiante, que mediante la luz, los “errores” que se generan en el negativo, y el entorno sonoro (también diseñado por Meza), busca llevar al espectador a un estado profundo, “oceánico” tal y como lo describe el artista, que invita al espectador a sumirse en él.

También contamos la manipulación de obras, dado que la obra SHOWT!ME del artista visual Michael Fleming (ing), se apropia de imágenes de largometrajes e imágenes icónicas de la cultura pop y de la publicidad para que el espectador confronte con ellas, pasando de espectador pasivo a trascender más allá de la imagen, y buscando, tal y como comenta el propio Michael “ahogarnos en este vacío en busca de un eterno presente”.

Texto: Diego Prior

Manipulations of the physical

In 1895, an almost magical device was invented that was capable of capturing the moving image, images that could then be reproduced anywhere in the world. To do this, a couple of fundamental elements were needed, a cinematograph, which was later separated into a camera to collect the image and a projector (the element that gives its name to this festival) and which had the capacity to uncover the image by pushing light through the film. This film is the physical element, the tape that records the images.

This tape has lost its prominence since the late 1990s, when the digital format began to gain popularity, synonymous with the constant evolution and experimentation of the artists and craftsmen in this guild. However, the artists that will be screened these days at Sala Equis are examples of experimentation with the physical format, the photographic tape.

«Opaline» is a videopoem brought to us by Alix Galdin, a self-taught French-Canadian photographer and filmmaker who first with polaroid and later with film in its various formats (35mm or, as in the case of the projected piece, 16mm and Super8) has worked with the technique of developing on silver and has combined it with other more modern techniques.
As the artist herself tells us, this work was first captured with a 16mm camera, then re-filmed on Super8 and finally coloured by hand.

This manipulation of the physical format aims to create a blurred image, close to a memory that is present, but that in no way wants to be sharp and that, together with the poem written by Alix Galdin herself and with the music of Vivian Lee, narrates the story of a childhood submerged in the maelstrom of a broken family, an anxious and violent memory that still has to be carried.

As we have seen, the history of the moving image is a history of experimentation, and as the artist Beatriz Freire (Portugal) reminds us, primitive film projectors are a construction that was born from the adaptation of a sewing machine for this filmic function.

Freire is a textile and visual artist who seeks to create her work under the approach of «expanded textile» and in her work «Descartes LAV«, she unites filmic and textile craftsmanship, joining discarded 16mm tapes with a black cotton thread, focusing on the materiality of the format over the content of it. This fusion between film and sewing will be culminated with the sound, which will be precisely that of the sewing machine, evoking those original projectors.

Following the path of experimentation with film, we have the work by Abinadi Meza (USA/Mexico), «Eyes Break Into a Thousand Lights«, where the artist dispenses with the use of the camera to work directly with the physical format, specifically with 16mm film. He manages to create a changing image, which through the light, the «errors» that are generated in the negative, and the sound environment (also designed by Meza), seeks to take the spectator to a deep, «oceanic» state, as the artist describes it, which invites the spectator to immerse himself in it.

Text: Diego Prior

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