2024

SECUENCIA DE INÚTILES
Apologías del giro
12-15.09.2024

Inauguración: 14.09.2024. 18:00h

Artistas: Anna Gimein (eeuu), Adriana Bustos (arg) y Maureen Muse (eeuu)

El giro es el protagonista de las tres obras que conforman esta muestra. Giro como reivindicación, como baile, como experimento. Rotaciones emocionales y estéticas, movimientos circulares hipnóticos. Cuerpos y formas que se mueven libres o condicionados, belleza y reflexión en el simple acto de girar.

Desmontando las múltiples acepciones de la expresión inglesa “Idle woman”, Anna Gimein construye en De la O un autorretrato poético de forma circular donde el giro es el movimiento que todo lo enlaza y del que se sirve para crear una bella metáfora visual en la que nos adentramos guiados por su narración, acompañada por sonidos rítmicos de raices flamencas.

En esta videoinstalación con tres proyectores se suceden imágenes de archivo, en su mayoría del siglo XIX e inicios del XX, donde las protagonistas bailan y danzan en múltiples estilos. Giran sobre sí mismas como giran también algunos mecanismos en vacío. En otras secuencias vemos masas de gente moviéndose en círculos igual que da vueltas el planeta que pisan. La artista reivindica así su propio viraje existencial y el de todas las mujeres y nos invita a cuestionar los movimientos pautados. Alejarse del equilibrio establecido, girar por girar, con locura y sin sentido, perdiendo el tiempo.

En “Bomarzo” , Adriana Bustos, nos muestra un plano fijo de un vaso donde cocaína es disuelta en agua y lavandina, proceso usado por los dealers para determinar el gradiente de pureza separando el clorhidrato puro de la sustancia de corte.

Vórtices y espirales se crean dentro del recipiente donde la sustancia pasa de la agitación inicial a un estado reposado donde, en suaves vueltas, flotan formas que sugieren la formación de un pequeño universo. Belleza luminosa que contrasta con lo oscuridad detrás del tráfico del polvo blanco. El giro hipnótico es realzado por el sonido estructurado como un motete, forma musical antecedente de la polifonía, donde se aúnan voces en diferentes idiomas y entre las que escuchamos también extractos de relatos de las mujeres mula entrevistadas en la cárcel de Bouwer en la ciudad de Córdoba.

Maureen Muse nos propone una experiencia visual donde todo da vueltas.

Esta exploración cinematográfica en 16mm llamada Plaza Nelson Mandela parte de este popular lugar de Lavapiés para ir sumando diferentes espacios en nuevos capítulos.
Durante el rodaje se invita a artistas a interactuar ante el movimiento giratorio de la cámara, dejando que también el azar juegue un rol de selección de los personajes que atraviesan la imagen. La obra, participativa, orgánica y subjetiva, cierra el círculo perfecto al presentarse también proyectada con un sistema giratorio, cohesionando aspecto y contenido.
Una reflexión poético-formal mediante un original proceso iterativo en constante evolución.

Texto: Francisco Pradilla

The twist is the protagonist of the three works that make up this exhibition. Giro as a claim, as a dance, as an experiment. Emotional and aesthetic rotations, hypnotic circular movements. Bodies and shapes that move freely or conditioned, beauty and reflection in the simple act of turning.

Dismantling the multiple meanings of the English expression “Idle woman”, Anna Gimein constructs in De la O a poetic self-portrait in a circular shape where the turn is the movement that links everything and which is used to create a beautiful visual metaphor in which We enter guided by his narration, accompanied by rhythmic sounds of flamenco roots.

In this video installation with three projectors, archival images appear, mostly from the 19th and early 20th centuries, where the protagonists dance and dance in multiple styles. They rotate on themselves as some mechanisms also rotate in a vacuum. In other sequences we see masses of people moving in circles just as the planet they walk on rotates. The artist thus vindicates her own existential turn and that of all women and invites us to question the established movements. Moving away from the established balance, turning for the sake of turning, madly and senselessly, wasting time.

In “Bomarzo”, Adriana Bustos shows us a still shot of a glass where cocaine is dissolved in water and bleach, a process used by dealers to determine the purity gradient by separating the pure hydrochloride from the cutting substance.

Vortexes and spirals are created inside the container where the substance goes from the initial agitation to a rested state where, in gentle turns, shapes float that suggest the formation of a small universe. Luminous beauty that contrasts with the darkness behind the traffic of white dust. The hypnotic turn is enhanced by the sound structured like a motet, a musical form that precedes polyphony, where voices in different languages ​​come together and among which we also hear extracts from stories of the mule women interviewed in the Bouwer prison in the city of Córdoba.

Maureen Muse offers us a visual experience where everything spins.

This 16mm cinematographic exploration called Plaza Nelson Mandela starts from this popular place in Lavapiés to add different spaces in new chapters.
During filming, artists are invited to interact with the rotating movement of the camera, allowing chance to also play a role in selecting the characters that pass through the image. The work, participatory, organic and subjective, closes the perfect circle by also presenting itself projected with a rotating system, uniting appearance and content.
A poetic-formal reflection through an original iterative process in constant evolution.

Text: Francisco Pradilla

AGENDA 2024

ARTISTAS 2024

ARTISTAS

2023

AGENDA 2023

ARTISTAS 2023
(Auto)retratos del yo. Miradas, memoria, historia.

Artistas: Ben Vine (ing/esp), Delfina Lamas (arg), Ira Eduardovna (urb) y Mía de Diego (esp)

Todo aquel que interroga lo que le rodea no puede sino cuestionar su propia mirada. El retrato, esto es, el objetivar aquello que se mira no ha conocido otro reverso que el del autorretrato, es decir, la introspección a la que se ve sometido cualquiera que pregunta. De alguna manera, las obras reunidas en la edición de 2023 de PROYECTOR Festival de Imagen en Movimiento para la sede Secuencia de Inútiles orbitan en torno a la ficción, que no conoce otra cosa que no sea la autoficción; la representación, que siempre se autorretrata, y el yo, que ni siquiera cuando calla se desprende de su voz.

Una imagen rasgada, condenada a un anacronismo de colores pálidos y texturas rugosas muestra el que podría ser cualquier lugar: una calle en tránsito, una plaza interrumpida o una vía ocupada es el escenario que acoge la multitud de miradas y cuerpos que se topan con la cámara, ignorando su porvenir, interrumpiendo su trazado. Y, en el centro de la imagen, atrayendo su atención, una banda de músicos, impávida, resiliente. La videoinstalación de Ben Vine se concibe, al mismo tiempo, como un ejercicio de situación y como una proyección mimética. Velada (2005) supone un ensayo de exploración de la misma condición que lo vio nacer: la grabación, en una toma, con una super 8, de unos músicos en el mercadillo donde el artista consiguió la máquina fotográfica. Pero también se sustenta sobre la propia preocupación del que observa: la reflexión sobre los medios de exhibición y los lugares en los que se legitima la expresión artística. Aquellos músicos, al igual que la cinta que los filma, transitan entre el límite de lo aceptado y anulado, de lo reconocido y olvidado.

En la pieza de Delfina Lamas la textura granulada se ve sustituida por la tesela del píxel. En esta ocasión, es la cámara de Google Maps la que se desplaza por las calles de París. Con una voz muda, la artista recorre en primera persona los rincones, locales, esquinas y avenidas, así como los recuerdos que avivan cada una de sus instantáneas. Pero Un frente frío (2022) también sugiere aquellas otras imágenes perdidas en el tiempo efímero de lo digital. A medida que el recorrido se nutre de detalles y el espectador es capaz de recomponer el retrato en forma de paseo, se da rienda al recuerdo ensombrecido que explica el regreso a aquel lugar, pero también el que motivó su huida.

Por su parte, Mía de Diego reconstruye un retrato doble: el de Julio César y sus significados a lo largo de las décadas, y el de su padre, a quien observa y en quien se mira. A través de imágenes de archivo, documentales e históricas, Venividivinci (2029) hila una suerte de esbozo en torno a las equivalencias padre-autoridad, lenguaje-ley simbólica, víctima-verdugo. Bien sea a través de dos bestias al luchar, bien de dos niños que juegan, el retrato del padre se asoma desde una lejanía que sólo el consuelo de la expresión artística puede aliviar.

Por último, en la videoinstalación The iron road (2021), Ira Eduardovna rememora, en una reconstrucción de sus propios recuerdos a través de una doble pantalla, el viaje que trazó con su familia cuando migraron de Uzbekistán en los años 90. La artista recorre de nuevo el paisaje cambiante y trasfigurado que vio por última vez al huir de la antigua Unión Soviética. Algunos elementos se mantienen idénticos: maderas, apliques y ventanas en unos camarotes imperecederos que se deslizan por similares vías que atraviesan los mismos paisajes. Y, sin embargo, la posibilidad de encarnar el recuerdo mismo resulta irrealizable, pues, como todo fragmento de memoria, se torna resbaladizo, irrecuperable y, en último término, inconsistente con su propia verdad.

Texto: Luis Cemillán Casis

ARTISTAS

Secuencia de Inútiles
Metamorfosis

Instalaciones: Guillermo G. Peydró (esp) &  Jeanne de Petriconi (fra) y Man Pan, Lau (hkg).
Performance: Laura Moreno Bueno (esp)
Live Set – Blanca Regina y MK – VJ launidadelmovimiento

Nuestro tiempo nos alcanza hasta constituirnos, hasta que mana de nosotros, hasta que nos brota y se desprende cual semilla.

Ésta es una PLAZA! es la semilla o el injerto que ha prendido en el centro de la vorágine de la ciudad de Madrid y donde se mostrarán 3 de las piezas seleccionadas para esta edición de PROYECTOR ́23.

Guillermo G. Peydró y Jeanne de Petriconi, como reflejo de lo que son, creación que anhela, creación que crea, en su escultura híbrida Maternidad Geométrica encierran la matemática natural de la belleza, la belleza natural de lo matemático, la organicidad de lo creativo, la exactitud de lo alumbrado.

A día de hoy, la realidad que el hombre construye tiene varias caras que miran hacia otro lado sin encontrarse. Nacer, crecer, reproducirse, morir… ciclos racionalmente compartimentalizados, artificiosamente divididos, estudiados al detalle, explicados paso a paso. Hemos establecido la vida tan lejos de la muerte que entre ellas parece no haber nada.

Es un limbo donde cerramos los ojos para alimentar el misterio. Es un espacio desconocido que visitamos colmados de dudas. En este mundo de paradojas servidas en bandeja que nos ceban y cebamos, Lau Man Pan en su videoinstalación When Life Becomes Materials, sostiene la pregunta igual que sostenemos la vida de forma mecánica; como un ciclo que se ahorra la vuelta, como ser, en su forma más eficiente, existencia, mensaje y respuesta reproducida en bucle buscando aproximarse al infinito que nos devora el ansia.

Y nos seguimos preguntando a pesar de las innumerables respuestas, seguimos creando, construyendo, transformando. La mirada está ávida de presente; forma parte de sus entrañas. El cambio es incesante. Es necesario concebir la metamorfosis de aquello que se transforma sin pausa, tenaz, abriéndose paso a través del tiempo y el espacio que se expande y nos sacude mientras tratamos de unir las piezas desprendidas y conectamos los extremos. Así Laura Moreno Bueno origina El sonido de las imágenes, videoperformance experimental donde convierte las imágenes proyectadas en una banda sonora, en un concierto a cargo de la luz que nos descubre la forma a la vez que el sonido.

Texto: Araceli López

Metamorphosis

Our time is enough for us to constitute ourselves, until it flows from us, until it sprouts from us and is released like a seed.

Esta es una PLAZA! It is the seed or graft that has taken root in the center of the overfall of the city of Madrid and where 3 of the pieces selected for this edition of PROYECTOR ́23 will be shown.

Guillermo G. Peydró and Jeanne de Petriconi, as a reflection of what they are, a creation that yearns, a creation that creates, in their hybrid sculpture Maternidad Geométrica they contain the natural mathematics of beauty, the natural beauty of the mathematical, the organicity of the creative , the accuracy of the lighting.

Today, the reality that the man constructs has several faces that look away without meeting each other. Being born, growing, reproducing, dying… cycles rationally compartmentalized, artificially divided, studied in detail, explained step by step. We have established life so far from death that there seems to be nothing between them.

It is a limbo where we close our eyes to feed the mystery. It is an unknown space that we visit full of doubts. In this world of paradoxes served on a platter that feed us and we feed. Lau Man Pan in his video installation When Life Becomes Materials, holds the question just as we hold life mechanically; like a cycle that avoids turning around, like being, in its most efficient form, existence, message and response reproduced in a loop seeking to approach the infinity that devours us with craving.

And we continue to ask ourselves despite the countless answers, we continue creating, building, transforming. The gaze is eager for the present; It is part of his entrails. Change is incessant. It is necessary to conceive the metamorphosis of that which transforms without pause, tenacious, making its way through time and space that expands and shakes us while we try to unite the detached pieces and connect the ends. Thus, Laura Moreno Bueno originates El sonido de las imágenes, an experimental video performance where she converts the projected images into a soundtrack, in a concert performed by light that reveals the form as well as the sound.

Text: Araceli López

ARTISTAS

2022

AGENDA 2022

ARTISTAS 2022
De lo humano y lo mundano

Artistas: Miguel Ángel Rivera Benard (méx), Chia-Yun Wu (tw), Ilnur Sharafutdinov (rus) y Eva Maria Bouillon (bel)

Figuras humanas en espacios comprometidos, humanos comprometidos a figurar en espacios, es el núcleo común en estas cuatro piezas que, si bien son singulares en su narrativa, les une ese retrato de lo humano, lo cotidiano, lo existencial.

En un ejercicio autobiográfico, Ilnur Sharafutdinov (Hombre del norte) enfrenta al espectador a su sentir de desarraigo en el exilio. La mirada nostálgica del artista no deja de buscarnos, mientras los escenarios cambian y el testimonio se va exaltando, la tristeza se torna denuncia, se torna autodeterminación. Nos deja verle sin más, desterrado y entregado, perteneciendo a todos lados y a ningún lado a la vez.

La condición humana, el espíritu, el sentido de pertenencia también es un diálogo recurrente en el trabajo de Chia-Yun Wu. En su obra Five, Four, Three, Two hace eco al mito de Sísifo, a través de un lente cinematográfico que capta la vida y destino de cuatro desconocidos. Una sensación lenta y onírica nos sitúa frente a individuos, distantes entre sí, en el mismo bucle. Desde el despertar hasta el anochecer haciendo ese esfuerzo fútil de vivir, y por la noche, se unen en sueño a cargar una roca y hacerla rotar.

Escenas con atmósfera teatral, limpias y estáticas, que parecen fotos, y a su vez parecen pinturas con aires de Vermeer o de Hopper; en ellas seguimos la rutina hogareña de una pareja que interactúa entre la tensión y la calma. En esta entrelínea silenciosa la artista Eva Maria Bouillon nos permite agregar nuestra ficha del rompecabezas a este relato sin contexto aparente (House for Two).

De la quietud transitamos al fragor, cerrando con la pieza colaborativa y multidisciplinar IN PSOFOS de Miguel Ángel Rivera Benard. Partiendo de un proyecto sonoro se articula en su última etapa un ejercicio que deambula entre la danza, la arquitectura y el video. La resonancia provocada por objetos caseros, metálicos, se dejan oír entre composiciones de columnas, luces y sombras en el que se desplazan cuerpos sin rostros, casi insectos a la imaginación, y, entre el tumulto claustrofóbico que parecen habitar perpetuamente, se manifiestan libres.

Texto: Ariadna Arce Ybarra

Videoperformance 15.09.2022 a las 19:30h con Zarahlena & ENESSIMA ENSEMBLE

Celebraremos la presentación, en la sala Secuencia de Inútiles coordinada por la artista Florencia Kettner, de la exposición De lo humano y lo mundano con los artistas Miguel Gil & Jorge Cabadas & Zarahlena, que se unirán para crear una pieza nueva en la que dialogarán distintas disciplinas como la danza, la música y el videoarte. La pieza tendrá como punto de partida el vídeo IN PSOFOS de Miguel Ángel Rivera Bénard, inspirado en la “necesidad de explorar sentimientos de intimidad y sensualidad a partir de la estética (…) para crear sensaciones íntimas a través de la presencia del ruido». A ella, en formato de artes vivas y a través de la improvisación, se unirán Zarahlena y Miguel Gil & Jorge Cabadas, fundadores del proyecto ENESSIMA ENSEMBLE, cuyos aspectos centrales se basan en la práctica, el estudio y la improvisación musical en interacción con poesía, danza y otras disciplinas escénicas y audiovisuales. Esperamos disfruten de esta pieza tejida a mano, viva e irrepetible.

ARTISTAS

2021

FOTOS 2021

AGENDA 2021

ARTISTAS 2021
VIDA CIRCULAR

Artistas: W. Mark Sutherland (can), Emanuele Dainotti (ita), Nacho Recio (esp), Kika Nicolela (bra), María Jerez (esp) y Silvia Zayas (esp)

El ritmo, los tics, el tartamudeo, los «llueve sobre mojado» y no solo este: todos los refranes, los uniformes, los clichés, los latidos del corazón y las campanas, todos los «días señalados» y sus respectivas celebraciones, el arte o delito de la falsificación, la experiencia, cada especie, clasificación o categoría, todo camino, las recetas, fórmulas e instrucciones, los panales de miel, la tripofobia, la rueda y las vueltas de tuerca, los lemas, los sellos de caucho, todo lo crónico, lo pesado o lo empedernido y hasta una caja de clips, deben su existencia, de una forma u otra, a la esperanza o posibilidad de la repetición. Yo repito atuendo, tu repites curso, el ajo repite una barbaridad, nosotros repetimos natillas, vosotros repetís lo que no se ha oído, ellos repiten el estribillo de una canción y, más aún, si es la del verano. La repetición, en realidad, es o está en todas partes. Repetimos para aprender, para convencer, para mejorar, para jugar, por no haber prestado atención, porque es importante, por vicio o porque nos ha gustado mucho. Hasta el lenguaje mismo  —insisto — hasta el lenguaje mismo, es repetido una y otra vez, y no solo cuando su intención es la de enfatizar, sino siempre, pues está listo de antemano, como una plantilla, para ser calzado y reproducido. En este sentido, figuras retóricas como la anáfora, no harían sino proponer una reiteración a un nivel más profundo dentro de la muñeca rusa en la que el lenguaje ya se encuentra.

Para bien y para mal parece que la repetición es inherente a nuestra capacidad de vivir; alojada a su vez en patrones naturales, como los movimientos orbitales de nuestros astros, que nos muestran la pauta. En nuestro caso, se desenvuelve mano a mano con la memoria: algo se repite siempre por acción u omisión de esta. «Somos un animal de costumbres», se dice; y, al margen de lo desagradablemente cursi y hecha que resulta esta frase, probablemente esté en lo cierto. La principal ventaja de esta condición, más allá del confort que procura lo conocido, sería de índole práctica: desde un punto de vista coste-efecto tiene sentido mecanizar aquello para lo que ya conocemos el camino más corto o consideramos resuelto, enfrentarnos al mundo de cero cada día sería irrealizable y como mínimo agotador. Por otro lado, la principal desventaja de nuestra tendencia natural a subir todo cuanto antes al tobogán de la inercia, sería la dificultad para frenar y salir del bucle cuando ello sí resulta deseable. Me viene a la cabeza este breve poema de un solo verso de Jesús Aguado para ilustrarlo:

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Quizás el antídoto, como en tantas ocasiones, pueda encontrarse en la administración consciente del propio veneno, la repetición como mantra sería un ejemplo. Los videos que se presentan en esta muestra parecen, en efecto, haber recurrido a la repetición precisamente para reflexionar acerca de las dificultades que esta plantea cuando se manifiesta en forma de existencia o experiencia atrapada, explorando su morfología y posibilidades y pensando estrategias hacia la diferencia que permitan sortear el perfil menos favorecedor de este eterno retorno.

Texto: Begoña Moreno-Luque

ARTISTAS

2020

ARTISTAS 2020
SEMIÓTICA DE ESPACIOS INEXISTENTES

Artistas: Ilaria Di Carlo (ita), Luca Valerio (ita), Tânia Dinis (por) y Eunice Artur y agendas obscuras (por)

Desde Saussure nos podemos enfocar en descifrar los signos de la vida social, su relación significante icónico y su significado. Cuando entramos en el juego  del espacio  inexistente entramos en el espacio de los sueños, del inconsciente o, más concretamente, en el del arte. La simbolización, es decir, lo que el objeto significa para cada individuo (E.Cassirer) puede quedar en el ámbito de un diálogo privado, biunívoco, e inaccesible para el resto de los espectadores. PROYECTOR en esta edición 2020, llena de incertidumbres y desconcierto, trata de conectar los espacios inexistentes de los  artistas seleccionados para recrear, en espejo, espacios simétricos en el espectador, imágenes que rebotan de retina a pantalla. No importa la semiótica sino los nuevos espacios que se crearán siguiendo los planos y las cotas de la inexistencia.

«El camino al paraíso comienza en el infierno» – Dante Alighieri

The Divine Way (la Via Divina) de Ilaria Di Carlo es una obra basada en la Divina Comedia de Dante, The Divine Way lleva al espectador al descenso épico de la protagonista a través de un laberinto interminable de escaleras, con un significado introspectivo y estético muy poderoso. A medida que la performer, la propia Ilaria Di Carlo, desciende frenéticamente  a los espacios más profundos, las escaleras se transforman en un nuevo escenario, un continuo interminable, un viaje obsesivo y agotador  que nos atrapa en un paisaje que alterna estética, desafío, inseguridad, tal vez amenaza, conduciéndonos a un final improbable a través de más de cincuenta estudiadas localizaciones que apuestan por una realidad imposible y sublime. Escrito, dirigido, producido e interpretado por Ilaria Di Carlo se proyecta en todo momento el valor escenográfico, incluso efectista de su estética. En el visionado de la pieza no se pueden evitar evocaciones, no solo de grandes clásicos del cine-con-escalera (del Acorazado Potemkin a Vértigo, El Exorcista, Los Intocables) sino también de obras más recientes así como de distintos directores que influencian su imaginario.

Por esta escalera iniciática de conocimiento, de descenso a los infiernos de las pasiones o de ascenso a la sabiduría y al Ser, transita Di Carlo, convertida en otro símbolo: la idealización que Dante llamaría Beatriz (Bienaventurada en latín) la transformación en símbolo de fe y protección; la guía, sustituyendo a Virgilio. Beatriz eleva a Dante hasta el cielo de las estrellas fijas donde están las «almas triunfantes».
¿Dante y Beatriz unidos por fin?

Freddy, Oh Freddy (On his side) es un trabajo site specific de Luca Valerio para un espacio inexistente, en una habitación sin gravedad: la WAG Widget Art Gallery es el espacio virtual, desarrollado por Chiara Passa, que se puede descargar en soportes como el iPhone, iPad, cualquier smartphone o tablet… Un white cube donde Freddy, oh Freddy (on his side) rebota como un astronauta en el espacio digital, sin gravedad, a ritmo de claqué. Un acto de apropiacionismo en la línea de Bruce Conner con una movie que no analiza otra cosa que la paradoja de la inexistencia del punto de referencia gravitacional en la inexistencia del espacio mismo. Movimiento sin ataduras sacado del contexto de Royal Wedding (1951) y del contexto expositivo habitual. Quizás ¿gift-art? en la muda insistencia del loop.

Sobrepostos de Tânia Dinis. A través de una secuencia de imágenes de archivos familiares en la ciudad de Braga, Sobrepostos resulta un ensayo de composición visual que parte de su apropiación, descontextualización y fragmentación. Las imágenes se revisan, se desarrollan en nuevas narrativas, en un tiempo que pasa y en un tiempo que no se expande en el espacio. Tânia Dinis construye con transparencias en positivo/negativo y en superposiciones de color leve con formas geométricas, ese espacio concreto, casi forense, que destaca y analiza buscando en la unión pasado-presente una mayor dosis de autoconocimiento. Identidad, imaginario colectivo y personal.  Encuadre de perspectivas que parten de un texto de Pedro Bastos “explorando la idea de imagen como una experiencia de lo efímero del tiempo y la memoria”.

Pandopticon, 2020 de Eunice Artur y agendas obscuras

Libertad de confinamiento,
proximidad a la distancia,
terrazas en la ventana trasera,
contaminación de la naturaleza,
movimiento de quietud,
vecinos extraños,
condición física de enfermedad,
intermedio cotidiano,
marzo abril,
plaga año 20 20.
panóptico pandémico.

Una mirada “indiscreta” hacia un entorno abigarrado, asfixiante, pleno de tangibles y construcciones  entre las que se buscan y encuentran individualidades que ejercen un sinsentido o tal vez consentido diálogo de presencia/ausencia. Una mirilla y una mirada limpia, de náufrago enfrentado a un horizonte invariable, al quehacer del confinamiento, una mirada que nos enfrenta a nosotros mismos como espejo del otro. 

Espacios que acotar en un estrecho círculo que enmarca nuestras vivencias. La necesidad de dimensionar el espacio para abarcarlo en una ocupación persistente, de días monótonos, cercados por miedos internos y externos. 

Texto: Joana Groba

ARTISTAS

2019

AGENDA 2019

ARTISTAS 2019
Los cuerpos

Cuerpos agitados, que danzan, alzan un mobiliario y se astilla, roto, sobre el suelo, pasos de un baile, jadeos, expresiones faciales, gritos sordos, pies que se arrastran por el suelo, leves movimientos, un rondó aderezado con la música interna del personaje…

Cuatro historias de cuerpos en movimiento. ¿Cómo analizar el movimiento si no nos dejamos seducir por lo que nos despierta? Cuanto más observo las piezas empiezo a imaginar que mi cuerpo también está dentro de esa pequeña ficción acelerada de unos minutos, que formo parte de lo que se expresa y mi propia historia vincular se agita y me lleva a sentir viejos capítulos de mi vida.

El cuerpo tiene memoria y cuando se mueve nos lleva a sentir que esa historia es mi historia. Sea en el campo, en un espacio cerrado, con luz natural o con la iluminación elegida para filmar esa escena concreta, ofrece un trozo de la biografía de un alguien que es nuestro espejo.

El videoarte es el soporte que mejor sostiene el movimiento, que lo fija en esa película breve y nos pretende ser revulsivo de conciencia, el contar algo que no ha sido dicho o, solamente, ofrecer los matices de una voz original, propia, particular de los temas comunes de historia de la humanidad: muerte, amor y violencia.

Si lo desea muestre atención a This Dance Has No End, de Fenia Kotsopoulou, y déjese seducir por la danza del final, ese baile último, kármico, cárnico, de despedida. Observe como su cuerpo lo ocupa todo, incluso cuando observamos que no mueve ninguna extremidad, solo respira y mira hacia el suelo: su presencia lo ocupa todo. Eleva sus brazos, lentamente, hasta hacerse más grande y… así es este momento coreográfico: los movimientos corporales en el cierre de un ciclo. ¿Usted tiene pensado en final fungible?

La nieve blanca que tapiza el bosque de coníferas, un hombre abrigado y su silla de madera nívea nos narran las historia de un fragmento de su vida sin usar la palabra –el artilugio de la razón-. Su ocupación del espacio, en ese escenario externo, Ángel García Roldán ofrece ante el telespectador otra danza, otros movimientos. Der Tatsachen un dingen nos cuestiona sobre el concepto de tiempo y la aventura insólita de ese intento tan humano y variopinto como la capacidad de retroceder en él. Una serie de pequeñas escenas que conforman una historia. La ventura –quizás- sea de otear la pieza jugando con las diferentes perspectivas que cada receptor disponga en su haber. ¿Se atreve a mover el punto de vista para captar los matices en ese espacio nevado?

La ausencia de la palabra en los vídeos anteriores es interrumpida por el uso que hace Anna Gimein en su La foto. Narra el encuentro fortuito con una fotografía y el deseo de replicarla. Ella, ubicada en una zona desértica, con el cielo despejado en el horizonte, mueve los brazos ligeramente según avanza en off un relato familiar… ¿Cuántas veces su cabeza no le ha contado una historia no propia que se inscribe en el terreno doméstico de tu mundo para entender la vida y la muerte, lo pasado y las consecuencias de su futuro?

Y esta muestra cierra con La Gargouille, de Elke Andreas Boon. La imagen partida en dos puntos de vista. El cuerpo avanza aproximándose a la cámara, se detiene y lanza agua; en el otro plano, la protagonista recibe lo arrojado, se limpia el rostro y se marcha. ¿Qué tiene que ver contigo que lo miras? Yo me observo recibiendo lo que antes entregué, la ida y vuelta en la búsqueda de un interlocutor.

Texto: Manu Palomo