Sala Equis

AGENDA 2022

ARTISTAS

ARTISTAS

ARTISTAS

FOTOS 2021

AGENDA 2021

ARTISTAS 2021
Imaginary spaces

Artistas: Catherine Radosa (fra/che), Adrián Guerrero (méx), Hasan Daraghmeh (pal), Gnawa Collective (marr), Francisco Pradilla Barrero (esp), Ariel Uzal – Julieta Caputo (arg), Sara Carneiro (por) y Alexander Isaenko (ukr)

¿Qué pasa si simplemente no aceptamos nuestra estructura de tiempo? ¿Qué pasa si exploramos las posibilidades de las técnicas de video, en busca de nuevas estructuras con respecto al tiempo y el espacio? ¿Podemos acercarnos más a nuestra imaginación, a nuestros sueños con eso? – ¿O por qué no simplemente repetir los momentos que nos gustan, hacer que se repitan y dejar otros fuera?

En la obra de video The Door, Hasan Daraghmeh está creando una estructura arquitectónica a través de la repetición de un solo movimiento. El acto de abrir una puerta y entrar en una pequeña habitación se repite hasta el límite, hasta los bordes de nuestras mamparas. Y aunque es obvio que la relación de aspecto de pantalla ancha de 16:9 o los bordes de nuestras pantallas definirán al final el tamaño de la arquitectura, no paramos de ver el vídeo. Entonces, se trata menos del espacio específico que se crea. No esperamos que una narración emergente nos sorprenda. Se trata más del ritmo al que estamos cayendo, del sonido que está estructurando el proceso de creación y desmantelamiento de un espacio. Nos damos cuenta del efecto meditativo que puede tener la repetición. Alexander Isaenko también usa el método de repetición en su trabajo de video Existo minima, pero de manera diferente. Existo mínima muestra una vista panorámica de una playa tranquila donde la gente camina. Muy pronto nos damos cuenta de que el artista deja que los caminantes desaparezcan de vez en cuando. Solo por unos segundos, la gente se desvanece en el aire, como si existieran agujeros negros en esta playa. Al principio es asombroso ver eso, pero lo realmente interesante es que al repetir el momento surrealista de dejar que las personas aparezcan y desaparezcan de forma natural, dejamos de preguntarnos. El fenómeno se vuelve normal. Los límites entre el mundo real e imaginario parecen fluidos. En el video Motherland de Catherine Radosa incluso podemos ver dos espacios diferentes al mismo tiempo. Sabemos que el video muestra un espacio muy íntimo, un primer plano del vientre de una mujer embarazada. Pero el uso de ciertas perspectivas de cámara, luces y el encuadre específico hacen posible ver otro espacio en otra dimensión al mismo tiempo, un espacio exterior en realidad, un planeta. Es el uso muy específico de técnicas de video que satisface nuestro deseo de imaginar nuevos espacios que les permitan, aunque solo sea brevemente, aparecer.

What if we are just not accepting our structure of time? What if we explore the possibilities of video techniques instead, in search of new structures regarding time and space? Can we get closer to our imagination, to our dreams by that? – Or why not just repeat the moments we like, make them loop and leave others out?

In the video work The Door Hasan Daraghmeh is creating an architectural structure through the repetition of a single movement. The act of opening a door and entering a small room is repeated to the limits, to the edges of our screens. And although it’s obvious that the widescreen aspect ratio of 16:9 or the edges of our screens will define the size of the architecture in the end, we do not stop watching the video. So, it’s less about the specific space that is created. We don’t expect an arising narration to surprise us. It’s more about the rhythm we are falling into, the sound that is structuring the process of creating and dismantling a space. We become aware of the meditative effect repetition can have. Alexander Isaenko also uses the method of repetition in his video work Existo minima, but differently. Existo minima shows a scenic view of a calm beach where people are walking. Very soon we realize that the artist lets the walkers disappear once in a while. Just for a few seconds, people vanish into thin air, like there would exist black holes on this beach. In the beginning it’s astonishing to see that but what’s really interesting then is that by repeating the surreal moment of letting people appear and disappear naturally we stop wondering about. The phenomenon becomes normal. The boundaries between the real and imaginary world seem to be fluid. In Catherine Radosa´s video Motherland we can even see two different spaces at the same time. We know that the video shows a very intimate space, a close-up of the belly of a pregnant woman. But the use of certain camera perspectives, lights and the specific framing make it possible to see another space in another dimension at the same time, an outer space actually, a planet. It’s the very specific use of video techniques meeting our desire to imagine new spaces that let them – if only briefly – appear.

Texto: Julia Tazreiter

ARTISTAS

AGENDA 2020

ARTISTAS 2020
SALA CINE

Las entradas para asistir a los cuatro pases estaban disponibles en Entradas Sala Equis pero ya agotadas, se podrá ver online en la prpia web www.proyector.info/streaming. El precio era de 0€.

Artistas: Isidro López-Aparicio (esp), Melanie Smith (ing), Anna Gimein (eeuu), Fernando Baena (esp) y BandaPan (esp)

12.09.2020
17h. Isidro López-Aparicio (esp). Latidos de Mina. 63″. Coloquio con el artista en el bar
18:05h. Melanie Smith (ing). María Elena. 24″

13.09.2020
17h. BandaPan (esp). Susana y los viejos. 73″

19.09.2020
17h. Fernando Baena (esp). Murió la verdad. 40″

20.09.2020
17h. Anna Gimein (eeuu). Mistress. 80″

Toda comunidad se funda a través de sus relatos, independientemente del formato que estos adquieran. A través de ellos cada pueblo conforma su identidad y a través de su narración se comparten, mutan y se preservan en el tiempo junto con todo lo que llevan consigo.

La 13ª edición de PROYECTOR Festival de Videoarte trae a Sala Equis obras de videoarte de larga duración y una fuerte intencionalidad comunicativa, de difusión y reflexión en torno a las narraciones contemporáneas. Narraciones que se construyen en diálogo con el pasado, el futuro y las comunidades a las que apelan, generando así palimpsestos de historias, voces y referencias de gran relevancia y profundidad. Historias que nos sitúan ante la vida y la muerte y nos hablan de justicia, poder, perdida, resiliencia, lucha y duelo.

Abrimos el ciclo con Latidos de Mina de Isidro López-Aparicio y María Elena de Melanie Smith. Estas proyecciones nos sitúan frente a dos imponentes desiertos –el desierto del Sahara en el norte de África y el desierto de Atacama en Chile–, las comunidades que los habitan y el atronador ruido de las explosiones fruto del deseo de poder sobre estos territorios. Polifónicas, situadas y políticas, estas obras visibilizan la crueldad de millones de minas anti-persona enterradas en el Muro marroquí de más de 2700 km que divide el Sahara Occidental y los devastadores procesos de extracción de nitratos en Chile para alimentar al sistema económico global respectivamente. En estos relatos, el terror y los procesos de duelo ante la expropiación del terreno a sus habitantes, el exilio y la muerte, activan la lucha contra la injusticia y la crueldad y apelan a la ciudadanía global a no lavarse las manos.

El segundo día proyectaremos Susana y los viejos de BandaPan donde realidad y leyenda se funden. La historia involucra personajes y acontecimientos mitológicos. Susana y los viejos cuestiona los sistemas de dominación y su violencia represiva que existen tanto en el ámbito institucional como individual utilizando el mito de Susana y los viejos. Historia de gran relevancia en la actualidad que nos demuestran que algunas preguntas no han cambiado tanto a lo largo del tiempo, algunas quizá nunca lo hagan y otras ojalá logremos responderlas cuanto antes.

Continuamos con Mistress de Anna Gimein y Murió la verdad de Fernando Baena –con Francisco López a cargo de los ambientes sonoros–, dos narrativas que nos sitúan ante un fin del mundo provocado por la estupidez o la maldad humana, que nos ha llevado a repetir una y otra vez todo aquello que creíamos comprendido, superado y erradicado. Mistress, partiendo de la lectura de la novela experimental Wittgenstein’s Mistress de David Markson, nos relata la historia de la humanidad a través de la voz de su única superviviente y de los restos que perduran: los mitos, las anécdotas, los cachivaches, los cuadros y los libros. Murió la verdad es una obra performativa y simbólica inspirada en Los desastres de la guerra de Goya, reflexión sobre la situación social actual y los comportamientos humanos a lo largo del tiempo ¿Podemos convivir con los relatos de hambre, pobreza, destrucción del entorno, extinción de especies y violencia en sus múltiples formas que estamos generando, estamos dispuestas a escucharlos?

Texto: María Suárez de Cepeda

ARTISTAS

KINÉ

Artistas: Jean-Michel Rolland (fra), Santiago Colombo Migliorero (arg), Luis Carlos Rodríguez (arg) y Josefina Giri (arg)

ARTISTAS

AGENDA 2019

ARTISTAS 2019
Exploraciones / Experimentaciones

Narraciones arriesgadas y sobre todo inseparables de su medio de expresión, la búsqueda y la reflexión, serán las protagonistas que habiten Sala X en esta edición de PROYECTOR Obras que nos llevarán de la mano por el videoarte actual más experimental y en las que encontraremos parte de la esencia de los comienzos de esta disciplina, de fronteras tan flexibles y en continua transformación.  

Al igual que los comienzos del videoarte, esta selección de obras sigue indagando en nuevos procesos y soluciones estéticas. No persiguen la copia de ningún suceso real y experimentan con todo, desde el formato hasta las concepciones preestablecidas sobre el artista como creador. Establecen diálogos entre el audiovisual y otras disciplinas como la fotografía fija, la música, la pintura o la danza, expandiendo así los límites del propio lenguaje.

La obra de Michael Lyons se conecta con el nacimiento del videoarte en su interés por la experimentación con la propia técnica, así como la reflexión y el cuestionamiento de sus procesos. Katagami es una animación stopmotion de los patrones de un antiguo kimono, que remite a la estética del cine experimental abstracto de las vanguardias. Las fotografías han sido tomadas con Super8 y el revelado ha sido realizado con ingredientes cotidianos para el autor: polvos de té verde, vitamina C y soda.

La investigación alquímica forma, también, parte del proceso de revelado de Film Loop 34: Ryoanji, el segundo vídeo de Michael Lyons proyectado en Sala X, en este caso confiriendo a la proyección sus característicos tonos azulados. La obra se compone de imágenes que, proyectadas por duplicado, una siempre un frame por detrás de la otra, relampaguean ante nuestros ojos a un ritmo cada vez más frenético. El sonido, composición de De Ponti & Moretti, termina de construir el audiovisual. En concreto, las imágenes de este film muestran el histórico jardín Ryōan-ji al nordeste de Kioto y la performatividad social de sus observadores, idea que encuentra su continuidad en la siguiente obra.

Memento de Rogério Paulo da Silva, nos muestra una fotografía de un complejo vacacional de los años 30 en el que un grupo de personas observa atentamente lo que está a punto de acontecer en la piscina, como una postal desgastada por el tiempo y contenedora de este a su vez. Miran a un hombre suspendido en el aire en mitad de un salto al agua; agua que, en contraste al resto de la imagen, está en movimiento. Imposible no acordarse de Reflecting Pool de Bill Viola. En esta ocasión el movimiento del agua y el sonido van subiendo de intensidad, captando tanto la atención de los personajes de la postal, como de los espectadores contemporáneos.

La figura del observador, el ritmo de las imágenes, la sobreabundancia y otros temas que los vídeos anteriores han dejado flotando en el ambiente, se condensan en la obra de Adrian Replanski. Ya es usted parte de una secuencia de transformación nos lleva a mirarnos a nosotros mismo, a reflexionar sobre el valor de la mirada en el mundo en el que vivimos, las dinámicas a las que el logocularcentrismo está derivando en la actualidad y los fallos del sistema.

El quinto video, Graffiti de Rick Niebe, recorre un grafitti urbano, percibiéndolo como una sucesión de composiciones y trazos, al ritmo de la melodía de una Txalaparta, un antiguo instrumento de percusión vasco. A su manera, esta danza nos devuelve el recuerdo del primer cine experimental abstracto con el que empezamos este viaje, listos para volverlo a disfrutar.

Texto: María Suárez de Cepeda

ARTISTAS 2018
EXPLORAR EL CUERPO

Mi cuerpo no existe. Y el tuyo tampoco. El cuerpo, los cuerpos, los diálogos y las danzas que se dan entre elementos que no son un todo juegan en una inestabilidad tácita. No olvide que hemos primado la cabeza, la razón, la mente. Tenga en cuenta que todas hemos sido educadas en un sistema donde ser buenas alumnas consistía en estar sentadas -más de seis horas- mirando al encerado y aprender todos los contenidos que el docente de turno nos transmitía: sumas y restas, la reproducción de ciertos animales, los avatares de civilizaciones lejanas (en tiempo y espacio) o los mil ríos y sus montañas de territorios que no explorábamos.

El cuerpo, su propio ruido, su ritmo, sus emociones, su olor, su tensión, su electricidad: no son contempladas. Le puedo preguntar dónde puede localizar la alegría en su cuerpo, o si aprecia diferentes temperaturas entre su corazón o los riñones; o si toda su piel tiene la misma sensibilidad. Las respuestas serán a medias, intuidas en el quizá y lo correcto. Pens-emos en cómo debería ser. La escucha del cuerpo es un lenguaje foráneo en la población general y el arte, en concreto esta muestra, da pistas que empoderan desde las periferias y aprehenden que otras sensibilidades son posibles.

Explorar el cuerpo junto a Isabel León. Siéntese. Dedique unos minutos. Visualiza los veintitrés fragmentos donde ella, protagonista única, juega, explora, cambia e intercambia un diálogo mudo con objetos que ponen en cuestión el cuerpo. Pequeñas propuesta donde los elementos alteran la disposición natural de cuerpo, rozando lo insólito y provocando diversas emociones, que ella experimenta y, ante las que usted, no quedará impasible. El dedicado a la menopausia, tras cubrir su cabeza con bolsas de plástico, aquellas que usamos para seleccionar las frutas y verduras de nuestro supermercado de confianza, genera una profilaxis que no permite respirar. Desesperada la rompe. Apreciamos la respiración agitada, el sofoco y el calor. El cuerpo explorado, transitado, movido de lo impasible, poor ejemplo.

Continuemos con The Welcome Rain Falling from the Sky. Observamos a Kuang-Yu Tsui frente a la cámara. Y de repente, el primer movimiento, es un desplazamiento a un extremo del plano. Objetos que caen. Alterna un lado con otro. El riesgo. El cuerpo alerta y coordinado. También la trampa de lo estudiado que cae desde arriba. ¿Controlaba de alguna manera un posible accidente aunque diese indicaciones precisas a sus colabores de cuándo arrojar –o qué lanzar- sobre su cuerpo? Un cuerpo sano atravesado con la incertidumbre de lesionarse. Cuerpo que salta, se mueve, deja atrás un posible golpe para otras posibilidades…

El cuerpo ejercitado con aquellas máquinas que tonifican o nos ponen en marcha a ese ideal normativo de los cuerpos válidos y los que no valen. Diferentes cuerpos y la búsqueda de encajar en un canon. Él, el artista Jan Hakon Erichsen, toma objetos que se encuentra, realiza máquinas que nos recuerdan a la maquinaria de un gimnasio de un barrio cualquiera. O artefactos de tortura de épocas pretéritas. El cuerpo ejercitado y puesto en marcha. El cuerpo que se modela y se explora. Cuerpo en acción. ¿Qué gimnasia sería la apropiada?, ¿todos los movimientos son válidos para tantos cuerpos que existen, diferentes, únicos, exclusivos?

El cuerpo congelado. El mar bravo, las olas, las posibilidades que no se controlan. Chen Wan-Jen congela al bañista y pasan cosas. El cuerpo inmóvil y todo en movimiento. El cuerpo que no se mueve y esperas que acontezca algo, aunque sea un ligero guiño de expresión. Y no ocurre. Explorar un cuerpo en el no movimiento, metáfora –y realidad- de los cambios que se operan en los cuerpos. Agua, agitación. Movimiento. No-movimiento.

Y, la última pieza, un película de Jeff Zorrilla. El cuerpo explorado con imágenes, a medio camino del cine, de la fotografía, de fotogramas acelerados que no son nada  y lo son todo. Cuerpos que se mueven, historias pasadas, escenas lejanas; otras más en relación con el que observa. El cuerpo se mueve, explora y está. Sucesión de cuerpos que tienen una historia, un aprendizaje, un estar lejano a la palabra y lo articulado. A veces el cuerpo se expresa sin que la razón esté presente. Cuerpos en diálogo, sucesiones de escenas y de estampas que nos hablan de comunicación más allá de la palabra y los cuerpos en la comunicación no acostumbrada. En búsqueda de una trama sin argumentos de cuerpos encadenados. O no.

Texto: Manu Palomo