Institut Français de Madrid

2021

FOTOS 2021

AGENDA 2021

ARTISTAS 2021
La humanización de la Naturaleza

Artistas: Lukas Marxt (aus), Marie Ouazzani (fra) – Nicolas Carrier (fra), Rubén Darío Díaz Chávez (ecu), Bárbara Fluxá (esp), Sergio Cáceres (esp)
Performance del 16.09.2021. 20h: Sara Padilla Grimalt (esp)
Proyecciones del 16.09.2021. 20h: Lukas Marxt (aus)
Proyecciones del 15.10.2021. 20h: Enar de Dios Rodríguez (esp) y comisariado de la BIENALSUR (arg)

Naturaleza
Sustantivo femenino
1- Conjunto de las cosas que existen en el mundo o que se producen o modifican sin intervención del ser humano.
2- Principio creador y organizador de todo lo que existe.

El concepto plantea un enfrentamiento: el ser humano frente a la totalidad de lo que existe. Pero también plantea una reconciliación, o quizá un sometimiento: el ser humano como parte de ese todo. Y he aquí la paradoja. ¿Cómo controlar aquello que todo lo controla? ¿Por qué esta pretensión titánica, ciega? La exposición del Institut Français de Madrid ahonda en estas cuestiones.

El ser humano, pozo insaciable, parece haber aprendido a dominar la naturaleza antes de aprender a dominarse a sí mismo. Reducida a un mero instrumento al servicio de nuestras necesidades, la verdadera esencia de la naturaleza se nos escapa de las manos. Pero, ¿de dónde vienen estas necesidades? ¿Realmente se orientan hacia nuestro bienestar? Inmersos en un ritmo de vida frenético, olvidamos plantearnos el fin último de nuestros actos, con lo que perdemos de vista sus consecuencias, devorando todo a nuestro paso al tiempo que dejamos de sentirnos parte de esa misteriosa armonía que la naturaleza entreteje. Ahora el equilibrio ha desaparecido. Si se encuentra, es aparente. La explotación sistemática de la naturaleza nos aleja de nosotros mismos, impidiendo que veamos con claridad, forzándonos a un vacío mirar.

Hoy más que nunca es fundamental repensar nuestra relación con el planeta que habitamos como si fuéramos desconocidos. El canto de los pájaros, el caer de las hojas en otoño, la lluvia golpeando contra el cristal… todo ello se nos escapa. Sólo cuando es demasiado tarde, cuando las especies se extinguen, los árboles se marchitan, el agua escasea, somos conscientes del abismo que nos rodea. Y a veces ni esto es suficiente.

Decía Aristóteles que el ser humano desea, por naturaleza, saber. Hoy sabemos que nuestros deseos están acabando con la naturaleza. ¿Qué postura tomar ante el enfrentamiento que nos ocupa? —enfrentamiento que, con todo, no tendrá ganadores ni vencidos más que nosotros. Planteémonos entonces a dónde nos conducirá este sometimiento de la naturaleza a parámetros humanos, esta reducción aniquiladora que, en su delirante y desbocado proceder nos aleja más y más de nosotros mismos, de nuestros entorno, futuro y raíces, humanizando lo que no debe ser humanizado puesto que, en el fondo, ello nos aboca a la deshumanización de nuestro porvenir.

Texto: Federica Iozzia

ARTISTAS

15.10.2021. 20h

> Enar de Dios Rodríguez (esp)

Vestiges (an archipelago)
40:43
2020

Siguiendo la estructura de una tipología de islas, Vestiges (an archipelago) es un vídeo ensayo que investiga la insaciable demanda de arena, el recurso natural más usado del mundo después del agua. Se trata de un laberinto narrativo y poético donde se cruzan el colonialismo, las dragas y los proyectos de “recuperación del suelo” y donde se cuenta cómo la arena está enmarañada en la máquina global que llamamos progreso y que dicta sin descanso cómo se da forma a los paisajes, los recursos naturales y los valores geo-políticos.

15.10.2021. 20:45h

>Comisariado BIENALSUR

Más allá del canon

El dispositivo exhibición y particularmente los museos, eligen con frecuencia cristalizar objetos, detenerlos en un tiempo y espacios homogéneos ordenándolos según criterios que los anclan a un orden preestablecido. Así, caricaturizadamente, podemos decir que se separan los objetos que están destinados a los espacios de antropología de los que se reconocen como destinados al espacio de arte en busca de controlar los sentidos y relatos que de las combinaciones de estos elementos puedan emerger.

Pensar con las producciones simbólicas más allá de los corsés mentales instalados por el canon forma parte del propósito de BIENALSUR. Es por eso, que buscando expandir y complejizar la dimensión de tiempo impuesta por los relatos canónicos, retomamos aquella afirmación que señala que todo arte es contemporáneo para repensarla desde distintas perspectivas y situar a este conjunto de videos documentales que elegimos presentar en sede artística pensando con ellos, más allá del canon.

Se trata de tres trabajos que exhiben el encuentro de miradas que responden a horizontes culturales diferentes, aunque en unas y otras, pueda reconocerse la presencia de una cultura visual común a la que definimos como contemporánea.

Estos documentales pueden ubicarse entre la etnografía y los estudios visuales arrojando luz sobre prácticas socioculturales, procesos de recuperación, apropiación y resignificación que activan polémicas en torno a conceptos como “arte”, “artesanía”, “tradición” , “cambio”, “estética”, “política”, muchas veces pensados de manera antinomica por lo que creemos que mantenerlos así en paralelo, permite identificar algunos términos del dilema acerca de los lugares y usos del arte y su (sostenida) condición de contemporáneo.

Las tres piezas enfocan el encuentro entre sujetos que se identifican como del “mundo del arte” y sujetos que forman parte de lo que se señala como “pueblos etnográficos”. Caminantes y La escucha y los vientos, son dos obras que registran aspectos de la convergencia entre estos dos universos en el alumbramiento de nuevas producciones y rituales. Pin Pin Ñanderco registra el ritual contemporáneo por el que una comunidad trata de revisar críticamente el pasado colonial.

Diana Wechsler

Eje curatorial BIENALSUR: Políticas del arte

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1. Caminantes, Documentales BIENALSUR, 15’ (ver créditos) 2019
2. La escucha y los vientos, Documentales BIENALSUR, 15’ (ver créditos) 2021
3. Pin Pin Ñanderco, Documental, Carlos Masotta, 12’ 2004

2020

AGENDA 2020

ARTISTAS 2020
Entre los pliegues de las palabras // Dans les plis de mots  

Artistas: Laurène Barnel (fra), Luciana Fina (ita), Camila Rodríguez Triana (col) y Fran López (esp)
20:30h Videodanza: Mercedes Pedroche (esp) y Mar Garrido (esp)

La exposición cuenta con la obra de cuatro artistas cuya narrativa se inscribe en una corriente de investigación en torno al uso del lenguaje para la construcción de la identidad.

A través de los vídeos se van descubriendo universos suspendidos y escondidos en los delicados pliegues de las palabras: entre líneas reposan las sonrisas intermitentes generadas por un dulce recuerdo de juventud o la vibración de la voz ante un instante de hesitación en búsqueda de la palabra más adecuada para expresar los colores de un frágil mundo interior. En una realidad globalizada donde la estratificación de idiomas es diaria y constante, las estructuras lexicales y sus sonidos seductores se adhieren sutilmente al lenguaje de todos los días transfigurándolo y desdibujándolo. Sí es oui, bello se sublima en beautiful y gracias se dilata en el redondo sonido de obrigado. Las migraciones mezclan, alborotan y crean nuevas formas de ser actualizando la vieja sentencia gauguiniana: “¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?»

Quizás la respuesta esté guardada dentro de las palabras, a parte iguales entre los secretos antiguos de formas voluptuosas que desvelan la sabiduría y el pathos. El idioma se compone por velos, y en el fondo hay sedimentos del ayer: la herencia cultural del pasado que va declinando sus significados según las líneas fluidas del hoy, de Madrid a las principales capitales europeas. Entre todas, Lisboa, en el tercer piso de un decadente edificio retratado -como si tuviese su vida propia- por Luciana Fina en Terceiro andar. La artista italiana narra la historia de Fátima, una mujer guineana que ha dado a luz a seis hijos en la capital portuguesa donde se ha trasladado debido al trabajo de su marido. Su primogénita está planeando estudiar derecho islámico en Inglaterra, las mujeres dialogan sobre la felicidad, recuerdos de juventud expresados en criollo entremezclados a proyecciones de deseos en el futuro. La obra visual, proyectada en dos pantallas independientes, propone una danza a través de la alternancia de primeros planos y detalles de un edificio que, poco a poco, toma protagonismo, se insinúa en la mente el espectador recreando un mapa de sentimientos, sonidos y luces, un ambiente habitado por las experiencias de los otros.

A veces las arquitecturas se transforman en fortalezas alejadas del bullicio de la ciudad, como L’ilot 9 sublimado por Laurène Barnel. Desde los tejados del centro de arte Synesthésie ¬ MMAINTENANT los días escurren plácidos desvelando delicadas historias de cotidiana belleza. Los ruidos de la vida frenética y anónima se quedan en la línea del horizonte, relegados a una masa desenfocada de bloques amontonados; los personajes se convierten en personas, las risas reverberan la inocencia de los niños que juegan frente a la cámara de la artista ofreciendo migas de esencia condensada.

Los relatos sin títulos son los más subversivos, no cumplen las expectativas, superan las vallas del pensamiento politizado, y evaden los límites de la imaginación alienada. Fran López en Relato -sobrevolando las marismas y costas de Isla Cristina, en la frontera entre España y Portugal- narra una historia de amor y misterio inspirada en la Ópera El holandés errante (Richard Wagner, 1841) y en la película Pandora y el holandés errante (Albert Lewin, 1951). El autor se sirve de una voz en off para narrar la historia de un pálido marinero en búsqueda de una mujer que se “muera de amor por él” para librarse de una antigua maldición. La voz atrae al espectador, le envuelve hasta atraparle: frases en diferentes idiomas se superponen generando un rápido ritmo. El punto de fuga se encuentra en las grandes superficies geográficas y sus múltiples visiones, para concienciar sobre la manipulación de los acontecimientos y la posibilidad de crear alternativas y realidades a través de la construcción del relato.

En cambio, un ejercicio interesante es explorar silenciosamente los territorios interiores y ondear el sentimiento antes de que se vierta en palabras. En Cenizas II, Camila Rodríguez Triana propone la observación directa a través de un objetivo frontal de un grupo posando para un retrato familiar. La escena se desarrolla en una habitación neutra donde tres mujeres están sentadas en un viejo sofá mientras tres hombres se sitúan a sus espaldas, dos mirando hacia una ventana persiguiendo las aspiraciones y las alternativas posibles mientras otro desafía la cámara. Empieza a llover, se trata de una lluvia fina y constante que acaba empapando los vestidos y los sueños: las prendas ligeras se adhieren a los cuerpos, desvelan las anatomías de deseos nunca verbalizados. Las respiraciones lentas condensan los nudos donde la vida se acentúa y los personajes se quedan a la espera, mostrando su mejor cara y apostando a ser ganadores en una foto que nunca se tomará.

La exposición se podrá visitar del 9 de septiembre al 16 de octubre de 2020 en el Institut Français de Madrid.

Entrada libre – aforo limitado a 50 personas.

RESERVA IMPRESCENDIBLE para la inauguración del 17.09.2020  RESERVAR

Texto: Lidia Persano

ARTISTAS

2017

ARTISTAS 2017
Des/construction d´images

Oodaaq es una isla descubierta en 1978 al noreste de Groenlandia. Durante mucho tiempo considerado como la tierra emergente más al norte del mundo, este cúmulo de grava y cieno está en realidad a la deriva, de modo que actualmente es imposible de localizar. La isla, que existe en alguna parte entre la realidad y lo imaginario, se convierte en una imagen, lejana y utópica, que nos invita a escrutar el horizonte para verla aparecer.

Es aquí, en esta tierra incierta, inaccesible e invisible, que hemos establecido nuestro campamento con el fin de explorar la creación artística contemporánea. Habitantes nómadas de la isla de Oodaaq, recorremos el mundo a lo largo del año con el fin de constituir un colectivo de creadores en constante evolución.

En el marco del Festival PROYECTOR, L’Oeil d’Oodaaq propone al Institute Français de Madrid una exposición que agrupa las obras de ocho videoartistas que se preguntan acerca de las especificidades de este medio y juegan con las posibilidades de la imagen en movimiento. Al igual que las producciones de cine experimental o vanguardista, las imágenes de las obras en vídeo de esta exposición no ocultan su fabricación, su puesta en escena. La imagen en movimiento es una construcción, una composición, como puede serlo un dibujo, una pintura, incluso una obra de teatro. Es, por otro lado, a partir de las referencias a estas distintas disciplinas que se originan las obras aquí expuestas, cuestionando la relación de imagen y realidad según los protocolos y los distintos procesos creativos. Johan Parent, Axel Brun, Jacques Perconte, Magda Gebhart, Loïc Gatteau, Younes Baba-Ali, Amélie Delaunay y Raphaël Larre ponen en práctica sus dispositivos generadores de imagen y definen los marcos dentro de los cuales se componen y descomponen los paisajes en movimiento.

Self Lavage de Johan Parent, es la puesta en escena absurda y burlesca de un ballet de propulsores de agua que juguetean con plena libertad en el espacio teatralizado de una estación de lavado de coches. La escena está filmada de noche y podemos observar, ocultos en la oscuridad, como en un espectáculo.

Johan Parent convierte una situación trivial en un espacio de experimentación artística que puede evocar la danza y la música, mientras que las gesticulaciones de las mangueras pueden recordar a aquellas de un director de orquesta invisible. Si en Self Lavage estos propulsores de agua pueden parecerse a las máquinas solteras de Marcel Duchamp, como unos performers mecánicos que funcionan de manera autónoma, en Tic Nerveux de Younes Baba-Ali el objeto está explícitamente activado por la mano del hombre. En un tríptico repetitivo y sonoro el artista muestra una mano que descarga todo su stress pulsando de forma continua un bolígrafo.

La acción filmada genera un sonido que se propaga más allá de la imagen para ganar espacio mental y corporal al espectador, quien cede progresivamente  por el carácter obsesivo del gesto. En Bulles de Axel Brun el juego es más apacible. Al igual que Johan Parent y Younes Baba-Ali, el artista define un marco de acciones simples, imitando la experimentación científica que busca obtener conclusiones a las reacciones químicas y físicas que habría provocado él mismo. Pero aquí no se trata tanto de deducir como de describir eso que sucede de la forma más simple y directa: masas de pintura líquida de color amarillo, rojo, azul cuyo territorio y aspecto se modifican en relación y proporción a su ebullición. Bulles es una metáfora del proceso artístico en sí mismo, es un doble movimiento de transcripción y transformación de una realidad observada.

Los artistas nos proponen imágenes del mundo en donde el motivo original puede ser más o menos aparente. Vague vache de Jacques Perconte hace de este distanciamiento el motor de sus experimentaciones digitales. Jacques Perconte usa también una paleta de colores que mezcla, al igual que un pintor impresionista, para deslizar los paisajes que filma hacia espacios pictóricos. Pero la imagen no es fija, y aunque por momentos puede estar detenida, mantiene su movimiento de oleaje marítimo, motivo recurrente del artista.

Magda Gebhardt, al igual que Atlas, soporta al mundo sobre sus espaldas, atrapada en una performance de construcción y destrucción de paisajes cuyas referencias de espacio y tiempo son redefinidas continuamente. La obra de Magda Gebhardt permite una analogía entre paisaje e imagen, dos creaciones humanas cuyos artificios son puestos al descubierto por los artistas de esta exposición, al mismo tiempo que los toman como impulsores de su propia creación. Es así como cobra protagonismo el papel del que mira y observa, un lugar a partir del cual se organizan y reparten las visiones del mundo.

Con Lignes de fuites, Loïc Gatteau nos proporciona esa posición de observadores privilegiados, testigos fuera de cuadro y circunspectos de una escapada unidireccional más allá de la ciudad. El desfile de vehículos y de peatones está acompañado de una banda de sonido que ayuda a crear una atmósfera de extrañeza inquietante. Aquí la imagen, siempre en movimiento, también sirve de superficie de proyección y de impresión, a medio camino entre realidad y subjetividad.

La instalación Cuadernos de Raphaël Larré nos sumerge en un universo de cuento, mitología reivindicada como tal y exorcismo de nuestros miedos infantiles. Los dibujos filmados por el artista se muestran en un dispositivo instalativo multipantalla que introduce al espectador en la imagen y cuyas deambulaciones a través de la obra son como un motor o incluso un espejo de la imagen en movimiento.

En 7 très très courts, Amélie Delaunay toma su propia producción de dibujos como motivo original, a los cuales da movimiento para desarrollar múltiples posibilidades. En el carácter minimalista de esta animación destaca la oscilación permanente entre el dibujo estático y el dibujo animado y revela de forma evidente los trucos de la película resultante, al mismo tiempo que pone en escena el placer que el artista y el espectador encuentran en la metamorfosis de la imagen.

Sin ocultar nada de su proceso de producción, todas estas obras en vídeo reunidas en esta exposición son una metáfora del acto de creación, una serie de manipulaciones a partir de la realidad que ofrecen una nueva mirada sobre ella.

Texto: Nathalie Georges