2023
AGENDA 2023
ARTISTAS 2023
Artista: Nicholas F. Callaway (eeuu)
CON LOS PIES EN LA TIERRA: «ALUMINIA»
Para esta edición de PROYECTOR traemos una exhibición que ocupa todo el espacio expositivo de Extensión AVAM nos lleva en un viaje hacia lo desconocido, desde una perspectiva más que conocida. El artista juega con las perspectivas, texturas y materiales urbanos para crear un nuevo universo que nos lleva a la revelación de un asteroide ficticio llamado “Aluminia”.
Nos sumimos en un recorrido espacial con los pies puestos en la tierra, donde redescubrimos los residuos urbanos y paisajes de la propia ciudad.
Todas las piezas que componen la instalación toman como punto de partida la impronta que deja el suelo en pequeños desechos de papel de aluminio tirados a la calle, para de allí recrear la orografía del protagonista de este viaje, el asteroide “Aluminia”.
En la instalación del artista estadounidense Nicholas F Callaway (1985) todas las piezas reproducen el negativo de la huella dejada por el suelo urbano sobre pequeños desechos de papel de aluminio y cartón.
La instalación consta de dos vídeos proyectados en bucle, “Aluminia A”, en el que se recoge un escaner mediante fotogrametría de un trozo de papel de aluminio, para crear una especie de “asteroide metálico”, como lo describe el artista. Y “Aluminia B”, donde se filmaron detalles de varios trozos de aluminio recogido por la vía pública que recrea la sensación de un viaje espacial hacia dicho asteroide.
Los vídeos se exhiben en la sede junto con unas 50 piezas de escayola y una placa de aluminio fundido que muestran texturas del suelo urbano, en cierta forma abstractas, en cierta forma claramente definidas, como si se tratasen de un descubrimiento de huellas arqueológicas de la propia ciudad.
El conjunto va acompañado así mismo de tres fotografías, impresas en papel Hahnemühle metalizado que recogen diferentes “retratos” del papel de aluminio en suelo urbano, rozando la inmensidad y la abstracción del espacio exterior.
Esta obra se ha beneficiado de una Ayuda a la Creación en Artes Visuales de la Comunidad de Madrid, convocatoria 2021.
Texto: Rebeca M Urízar
FEET ON THE EARTH: «ALUMINIA»
For this new PROYECTOR edition we are bringing this exhibition that occupies the entire exhibition space at Extension AVAM takes us on a journey into the unknown, from a more than familiar perspective. The artist plays with urban perspectives, textures and materials to create a new universe that leads us to the revelation of a fictional asteroid called “Aluminia”.
We immerse ourselves in a spatial tour with our feet firmly on the ground, where we rediscover urban waste and landscapes of the city itself.
All the pieces that make up the installation take as their starting point the imprint left by the ground in small scraps of aluminum foil thrown into the street, from there to recreate the orography of the protagonist of this trip, the asteroid «Aluminia».
In the installation by the American artist Nicholas F Callaway (1985), all the pieces reproduced the negative of the traces left by the urban soil on small scraps of aluminum foil and cardboard.
The installation consists of two videos projected in a loop, “Aluminia A”, in which a scanner is collected by photogrammetry from a piece of aluminum foil, to create a kind of “metallic asteroid”, as the artist describes it. And “Aluminia B”, where details of several pieces of aluminum collected on public roads were filmed, recreating the sensation of a space trip towards said asteroid.
The videos are exhibited at the headquarters together with some 50 pieces of plaster and a cast aluminum plate that show textures of the urban soil, in a certain way abstract, in a certain way defined, as if it were a discovery of archaeological traces of the city itself.
The set is also accompanied by three photographs, printed on metallic Hahnemühle paper that collect different «portraits» of aluminum foil on urban land, bordering on the immensity and abstraction of outer space.
This work has benefited from a Grant for Creation in Visual Arts from the Community of Madrid, call 2021.
Text: Rebeca M Urízar
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- La luz reflejada en la pantalla
Lenta pero secuencialmente, el fino brillo va abrazando la superficie. Lo cobija del frío, copia su forma, como una serpiente deglutiendo a su víctima. Fluido e impreciso, como un río de plata, copia los rastros de un futuro distante. Como un oasis que yergue en el espacio vacío y el placentero color negro.
Al hacerlo trae consigo una memoria digital.
- La materia corre en reversa
La memoria de aquella piedra gris cubría toda la superficie. Llegamos allí luego del largo viaje que los dejó más lejos de casa de lo que habían estado nunca. Este lugar nos descubrió un mundo diferente, pero en donde aún podían sentir el eco de lo conocido. Señales de radio en baja frecuencia. Nos sentimos extranjeros, un sueño de alienígenas que han abandonado su planeta para no volver jamás.
No hay arriba ni abajo en el espacio. No hay temporalidad, lo que fue, es y se repite.
III. Los dedos creen tocar el piso
Rascar la escayola con las uñas de los dedos. Sentir que en la copia están las cosas, bajo tus dedos el espacio. La copia vacía, que sigue siendo habitada por la forma. Un fantasma que asedia. Un obstáculo espacial. Un fino manto blanco o plata, sin nada en su interior.
Plasmar el rastro de una acción inútil. Un chicle en el asfalto, las superficies del tiempo,la huella de la huella, el registro del registro. Tipificar el mundo en pequeños accidentes aislados. Acciones sin consecuencia, accidentes sin sustancia. El gesto, una y otra vez se revela, da cuenta, y sobre el río, más agua.
Texto: Santiago Colombo
- Light reflected on the screen
Slowly but sequentially, the thin glow embraces the surface. It shelters it from the cold, copies its shape, like a snake swallowing its victim. Fluid and imprecise, like a silver river, it copies the traces of a distant future. Like an oasis that stands in the empty space and the pleasant black color.
In doing so it brings with it a digital memory.
- Matter runs in reverse
The memory of that gray stone covered the entire surface. We arrived there after the long journey that left them farther from home than they had ever been. This place discovered a different world, but where they could still feel the echo of what they knew. Low frequency radio signals. We felt like aliens, a dream of aliens who have left their planet never to return.
There is no up or down in space. There is no temporality, what was, is and repeats itself.
III. The fingers think they touch the floor
Scratching the plaster with the fingernails. Feeling that things are in the copy, the space under your fingers. The empty copy, which is still inhabited by the form. A haunting ghost. A spatial obstacle. A thin white or silver cloak, with nothing inside.
To capture the trace of a useless action. A chewing gum on the asphalt, the surfaces of time, the trace of the trace, the record of the record. To typify the world in small isolated accidents. Actions without consequence, accidents without substance. The gesture, again and again reveals itself, gives an account, and over the river, more water.
Text: Santiago Colombo
NICHOLAS F. CALLAWAY Aluminia
Videoinstalación
NICHOLAS F. CALLAWAY
Artista
RIZOMA
Extensión AVAM
14-19.11.2023. Extensión AVAM
Fragmentos y vacíos
Artistas: Aura Vega (esp) y Victoria Oliver Farner (esp)
Las piezas de Victoria y Aura dialogan en un espacio atemporal en el que el vacío y el no-vacío toman protagonismo.
El cine clásico invade el espacio para hacer al espectador repensar sobre la estructura y los métodos visuales tradicionales: los diálogos, el foco de atención, el montaje, el plano, la luz, el movimiento, los cortes y el lenguaje audiovisual en su todo.
Tres núcleos esenciales se unen en esta exhibición: El Festival PROYECTOR, plataforma que hace énfasis en el carácter más experimental y comprometido de las imágenes contemporáneas; comisaría esta muestra en el marco del Festival Rizoma, un festival internacional de cine y cultura entrelazada que celebra en noviembre su XI Edición. Con esta colaboración invadimos el espacio de Extensión AVAM, una asociación comprometida con la escena de artistas visuales de la ciudad de Madrid. Ahora, convergen en esta sede dos video instalaciones de carácter actual, seleccionadas por la 16ª convocatoria para el Festival PROYECTOR en 2023.
Los films que componen Void vs Cinema (2023) juegan a descentralizar el lenguaje cinematográfico a través de los extractos de las películas ‘The Conversation’ (1974) de Francis Ford Coppola, ‘The Birds’ (1963) de Alfred Hitchcock, ‘Sunset Boulevard’ (1952) de Billy Wilder y ‘A Fistful of Dollars’ (1964) de Sergio Leone. La artista Victoria Oliver Farner analiza, vacía y deconstruye para crear la nueva película.
Por su lado, Meshes of the film (2022) versiona uno de los films más icónicos del cine experimental, ‘Meshes of the Afternoon’ (1943) de Maya Deren, sin alterar su duración. La pieza de Aura Vega saca a la luz la necesidad de la estructuración y formalización del lenguaje cinematográfico. Lo inexcusable del camuflaje del corte en el cine hacen de la obra una misma y no un conjunto de piezas ligadas.
Dos maneras de ver las partes que hacen al todo de la obra audiovisual. Dos maneras de entender el lenguaje como formalismo estructural.
Invitamos al espectador a deconstruir su mirada y repensar su propio prisma: uniendo, creando y dando sentido al vacío, al salto, al corte y a la mentira del cine.
Texto: Rebeca M Urízar
Victoria and Aura’s pieces dialogue in a timeless space in which emptiness and non-empty take center of the lead.
Classical cinema invades space to make the viewer rethink the structure and traditional visual methods: dialogues, focus of attention, montage, shot, light, the movement, the cuts and the audiovisual language in its entirety.
Three essential parts come together in this exhibition: PROYECTOR Festival, a platform that emphasizes the more experimental and committed nature of the images and contemporary films; curates this show within the framework of Rizoma Festival, an international film and culture festival intertwined that celebrates its XI Edition in November. With this collaboration we invade the venue of Extension AVAM, an association committed to the visual artists scene in the city of Madrid. Now, two current video installations converge at this space, selected by the 16th call for the PROYECTOR Festival in 2023.
The films that make up Void vs Cinema(2023) play at decentralizing language cinematographic through the excerpts of the films ‘The Conversation’ (1974) by Francis Ford Coppola, ‘The Birds’ (1963) by Alfred Hitchcock, ‘Sunset Boulevard’ (1952) by Billy Wilder and ‘A Fistful of Dollars’ (1964) by Sergio Leone. The artist Victoria Oliver Farner analyzes, empties and deconstructs to create the new film.
For its part, Meshes of the film (2022) covers one of the most iconic films in experimental cinema, ‘Meshes of the Afternoon’ (1943) by Maya Deren, without altering its duration. The piece by Aura Vega brings to light the need for structuring and formalizing the cinematographic language. The inexcusability of the camouflage of the cut in the cinema makes the work itself and not a set of linked pieces.
Two ways of seeing the parts that make up the whole of the audiovisual work. Two different ways of understanding language as a structural formalism.
We invite the viewer to deconstruct their gaze and rethink their own prism: uniting, creating and giving meaning to the emptiness, the jump, the cut and the lie of cinema.
Text: Rebeca M Urízar
ALIX GALDIN Reliquat
vídeo
AURA VEGA Meshes of the Film
Instalación
VICTORIA OLIVER FARNER Void vs Cinema
Videoinstalación
AURA VEGA
Artista
VICTORIA OLIVER FARNER
Artista
2022
AGENDA 2022
ARTISTAS 2022
HORROR VACUI
Exposición del 7 al 18 septiembre 2022
Artistas: Rut Briones y Raquel Durán (esp)
«Horor Vacui es una instalación interactiva que reflexiona sobre nuestra sociedad occidental a través de las formas de entretenimiento, ocio y juego contemporáneas. En palabras del filosofó coreano Byung-Chul Han, en nuestra sociedad actual trabajo y ocio están perdiendo su barrera impermeable y se entremezclan: los espacios laborables se ergonomizan y las tareas se ludifican, sometiendo así el juego a la producción para obtener un mayor rendimiento. Horror Vacui está formada por una estructura metálica con dos pantallas de proyección. La imagen proyectada varía en función del público presente, mostrando unas u otras acciones en base a la audiencia que las observa. Los fragmentos de vídeo consisten en acciones individuales en las que el intérprete realiza mecánica y metódicamente ciertos movimientos relacionados con juegos populares. Es mediante esta repetición ritualizada que nuestro Homo Ludens asume su lugar en el orden social establecido. «
«Horor Vacui is an interactive installation that reflects on our Western society through contemporary forms of entertainment, leisure and play. In the words of the Korean philosopher Byung-Chul Han, in our current society work and leisure are losing their impermeable barrier and becoming intermingle: workspaces are streamlined and tasks are gamified, thus subjecting the game to production for greater performance. Horror Vacui is made up of a metal structure with two projection screens. The projected image varies depending on the audience present, showing some or other actions based on the audience that observes them. The video fragments consist of individual actions in which the interpreter mechanically and methodically performs certain movements related to popular games. It is through this ritualized repetition that our Homo Ludens assumes its place in the established social order.
RAQUEL DURAN ILLANES Y RUT BRIONES RUIBAL Horror Vacui
videoinstalación interactiva
FOTOS 2021
2021
AGENDA 2021
ARTISTAS 2021
Del silencio de los cuerpos
Artistas: Juan-Ramón Barbancho (esp) y Shahar Marcus (isr)
Los conflictos armados y procesos de violencia política han y siguen produciendo multitud de daños contabilizados, en su vertiente más feroz, por la gran cantidad de víctimas y cuerpos deshumanizados que arrojan, despojados de toda identidad. No obstante, a estos cuerpos mutilados y masacrados se les suma otro tipo de episodios, quizás no tan fáciles de detectar: las desapariciones, ausencias, vacíos e historias deliberadamente anuladas. Y es que toda violencia, en último término, se sustenta sobre la base del miedo, la dominación y el borrado de la historia.
En este sentido, la ausencia de los cuerpos supone una doble dimensión. En primer lugar, anula una práctica de duelo. Son muchas las sociedades que, aunque con distintos significados y bajo diferentes preceptos, necesitan velar la fisicidad del cuerpo al que le acompaña el entierro. Es la corporeidad del acto, la presencia de ciertos objetos, lo que parece salva a los fallecidos y deja en un lugar tranquilo a los que lloran. Por ello, la ausencia del cuerpo supone el duelo incompleto. En segundo lugar, esa otra dimensión que nos habla de las desapariciones tiene que ver con la eliminación del archivo de la historia. Si la presencia de cuerpos físicos supone la evidencia hecha documento de las consecuencias de la violencia política, las desapariciones forzosas responden a un intento de propiciar un olvido e invisibilizar la causa que las produjo. Frente a esta doble dimensión, se hacen necesarias las prácticas de restitución de la memoria. Prácticas entre las que se encuentran tanto las políticas de índole institucional como la historia oral o las piezas de arte, mediante las que se pueda ocupar simbólicamente el vacío y evidenciar los silencios estructurales que lo rodearon.
Las obras exhibidas en Extensión Avam se articulan en torno a estos temas. La cámara de Shahar Marcus, en su pieza Dig (2019), tiembla mientras graba en detalle las manos de un grupo de hombres que tratan de excavar entre los escombros de un edificio. Las manos movidas por una nerviosa desesperación se acompañan de unas voces, también vacilantes, que retiran poco a poco los escombros, quizás esperando encontrar algo, quizás precisamente esperando no hacerlo. Unos escombros que parecen no cesar y hacerse cada vez más grandes y pesados. Una escena descontextualizada y sin embargo reconocida por cualquier espectador, que podría suceder en cualquier parte, allí donde las cámaras de los telediarios se acercan para grabar y después marcharse, abandonando las historias y cuerpos enterrados para siempre bajo el peso de la violencia.
Por su parte, La muerte no enterrada (2016), de Juan-Ramón Barbancho nos acerca a un contexto también cercano. Al inicio de la pieza, un hombre se hace paso con su linterna ante el amanecer de lo que parece un campo abierto. El sonido de los pájaros y la tranquilidad se asoman desde el fondo del paisaje. A medida que la figura recorre los caminos horadados en las colinas, una voz en off irrumpe sobre la imagen y realiza una lectura pausada, en la que se suceden nombres propios de personas, su edad, profesión y una fecha que, en su mayoría remite al verano de 1936. La lectura que se produce no es fortuita. Se trata, como el texto de apertura del vídeo nos hace entender, de 71 personas asesinadas y silenciadas por la represión franquista durante la guerra civil en la provincia de Córdoba; represión que, alargada durante los cuarenta años de dictadura, convertiría a España en el segundo país del mundo con más fosas comunes, aún en su mayoría sin abrir. Frente al olvido institucional, el vídeo se concibe como una herramienta en sí misma de restitución del silencio, como un ejercicio de dignificación de la memoria de las, todavía, víctimas.
Texto: Luis Cemillán Casis
