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ARTISTAS 2018

Más allá de lo que mis ojos alcanzan a ver…

Si bien la visión es un modo personal de percibir el mundo exterior y una determinada manera de ver, no obstante, existen unas “políticas de la visión” que responden a un esquema clasificatorio, facilitando una aprehensión “común” del mundo (Rancière, Aisthesis. Escenas del régimen estético del arte).

Las tres artistas aquí presentadas comparten un interés común por analizar el acto de ver y contemplar la realidad, así como sus diversos modos de (re-)presentación y percepción, mediante el ejercicio de “pensar en imágenes” a la manera de Aby Warburg y Walter Benjamin. En este sentido, la imposibilidad de ver y comunicar una verdad absoluta se convierte en el punto de partida para generar conocimiento, al tiempo que revela aquellos mecanismos intrínsecos al régimen escópico y discursivo dominante de la sociedad occidental (el “ruido” de la imagen reenvía al medio). Tras su emancipación, la imagen puede reaccionar y accionar un discurso otro entre el espacio de la reivindicación y la proposición.

La propuesta de Cecilia Ceccherini & Ciara Iacovone, Undisovered Lie, se materializa en un doble canal como formato para hacer dialogar el lenguaje visual y verbal, ver y comunicar, en un desarrollo cuasi sociológico de las lógicas de la mentira. El encuentro que se produce entre ambos canales, y que evoluciona de un modo decadente por la degradación del color al son de las imágenes, se efectúa de forma complementaria desde el momento en el que uno parece la esencia cromática del otro. La presente videoinstalación alude al poder de la mentira como forma de existencia, por medio de realidades alteradas, distorsionadas, instrumentalizando el lenguaje al servicio de intereses de toda índole. En este sentido, Jacques Rancière alertaba de la necesidad de emanciparse de cualquier “mensaje parásito” configurado según el proyecto educativo establecido a partir del binomio saber-ver (Jacques Rancière, Le partage du sensible: esthétique et politique). Una vez conseguido, se abriría una nueva fisura entre lo percibido y lo comprendido.

La videoinstalación de Paula Abalos, Inmortales, revisa el fenómeno de la contemplación como modos de contemplar y ser contemplados, como herramienta de introspección y de estudio de ciertos patrones de conducta para analizar fenómenos sociales. De un modo rítmico, las personas aquí filmadas nos muestran una realidad vista y producida por un smartphone dentro del Musée de l’Orangerie de Paris. En una de sus salas, y con los Nenúfares de Monet como telón de fondo, se van sucediendo una serie de actitudes repetitivas por parte del visitante (toma fotográfica en modo selfie) que están siendo paralelamente registradas por la artista. El resultado es la superposición de pantallas –interfaces sucesivas – que conducen a una congelación de la narración y a la vacuidad de su significado, en pro del sentir visual como forma dominante de vivir y experimentar nuestro mundo actual. Los Inmortales forman parte de este espacio eterno que edulcora una realidad que se nos escapa cada vez más.

La propuesta Ever Folding, de la artista Ro Caminal, hace hincapié en cómo el acto de mirar implica proyectar, construir y precisar una intención, puesto que la mirada es una captura del mundo y una apertura hacia lo externo jamás inocente. Así pues, mientras suena El himno de la alegría, un montaje rápido de imágenes exhibe pliegues continuos de una realidad aparentemente unidireccional. En efecto, el pliegue, material flexible y fácil de adaptar al tiempo y al espacio, permite romper con los binarismos identitarios al tiempo que ofrece una realidad múltiple. El espacio plegado, opuesto a los esquemas simétricos de la visión clásica, articula una nueva organización espacial y genera nuevas relaciones sociales al jugar con las fricciones del adentro y el afuera, la figura y el fondo (Gilles Deleuze, Le Pli. Leibniz et le Baroque). “Solo mis ojos permanecerán para vigilar y perseguir, y volver tus sueños caos” son los últimos versos extraídos con los que finaliza la proyección del vídeo. Si bien la ausencia del tiempo (vigilar, perseguir) remite más a la “escritura” de una historia sin revisión que a la posibilidad de cambio, no obstante, estos evil eyes (Homi Bhabha, El lugar de la cultura) pasan a ser tanto el sujeto narrador como las zonas de resistencia de la condición poscolonial. Además, la perturbación de la mirada da a conocer aquello que no se anuncia; hace presente aquello que está ausente, esto es, “un arte secreto llamado invisibilidad”.

A pesar de que la percepción, la comunicación y la visión están orientadas a la acción, todas ellas retienen de lo real lo que Pierre Bourdieu vino a denominar la évidence aveuglante: evidencia cegadora al mostrar el mundo “tal cual es” (Pierre Bourdieu, Esquisse d’une théorie de la pratique). Partiendo de esta premisa, los tres proyectos se disponen a interrogar las lógicas del lenguaje visual derivando, si no a una pérdida de su centralidad, sí, al menos, a su cuestionamiento como vía principal de aprehensión y comunicación de la experiencia.

Texto: Coral Nieto García

ARTISTAS 2017

LO APARENTEMENTE ABSURDO (COTIDIANO)

En un momento como el actual, las realidades sólidas (Bauman, 2011) de nuestros abuelos ya no existen (ej: trabajo fijo, el matrimonio para toda la vida, las grandes fábricas que iban a durar como las catedrales, etc.). La preocupación de nuestra vida social e individual ha dado un giro vertiginoso y consiste en prevenir que las cosas se queden fijas, que sean tan sólidas que no puedan cambiar en el futuro. La quimera de las soluciones para siempre ya no convence a nadie.

¿Pero acaso la apertura total al cambio es el camino? ¿Es un ideal estar siempre listo para cambiar sin compromiso con nada ni nadie? Ser totalmente flexible a las necesidades del mercado no permite columnas vertebrales donde sostener valores no económicos y nos sitúa en un contexto totalmente inhóspito, en el que aparentemente somos más libres que nunca antes y a la vez más impotentes que en ningún otro momento de la historia, sin agentes, ni instituciones colectivas capaces de frenar el capricho del dinero (Barranco, 2017).

En un contexto así, la posibilidad de un cambio centrado en los valores humanos podría venir de acciones situadas fuera de contextos productivos, alejadas de las imposiciones de la tecnología, de la globalización y de las mismas modas. Este polo de experimentación llevado al extremo podría llevarnos a la evasión. Es por esto que incluir en la situación de ensayo objetos del contexto ayuda a representar parte de esta “realidad” cultural. Según esta idea, el análisis de nuestra relación con los objetos, descubriría espacios simbólicos donde pensar (con otros), donde reconsiderar nuestras respuestas e inventar otras nuevas; podría ser el espacio transicional donde el encuentro con uno mismo y con otros fuera posible; un espacio donde el compromiso con estos encuentros permitiera sobrevivir a la cultura del consumo.

Bajo este telón de fondo filosófico-político, se mostrará una selección de piezas de videoarte que nos permite la experimentación con diferentes aspectos del proceso de cambio. Estas son las propuestas de cada uno de los artistas:

1. Annegien Van Doom nos enfrenta a la acción de vaciar (“Domestic Science”). A través de estas acciones, los objetos cotidianos en movimiento transforman su uso en otro no convencional; de este modo, lo aparentemente trivial se convierte en un escenario épico, donde el artista con la magia del humor hace posible lo aparentemente imposible.

2. La acción de tirar y destruir (de Luís Úrculo en “Ensayo sobre la ruina”) nos enfrenta al desplome de composiciones de objetos con formas neoclásicas. El autor juega con los objetos, pero la confrontación con el concepto de caída inevitable nos aleja de la sensación lúdica.

3. La acción extrañamente complicada de “El camino más largo” (Alejandro Ramiro), presenta paisajes cotidianos que se transforman con la acción misma en paisajes fantásticos inusuales donde parece que soñar despierto es posible y a la vez difícil (sin tocar suelo). Parece un reclamo del sentido común y de las acciones posadas en la tierra.

4. El cuerpo (sus posiciones, sus movimientos, acompañado de la expresión facial) aparece en última instancia como pantalla reflectante de los mandatos externos (“Instrucciones 1+” de Paula Abalos), influido por contextos socio-familiares aparentemente ausentes. La libertad de las respuestas motrices parece mayor de lo que transmiten las instrucciones del emisor.
Cada una de estas piezas convierte lo material en el protagonista en un escenario de experimentación con lo invisible y parece invitarnos al cuestionamiento de lo aparente, de lo que “es así porque siempre fue así”.

Desde esta perspectiva, el espacio público de un sala de exposiciones se convierte en un lugar de encuentro de fantasías particulares, donde lo menos valorado socialmente puede ser la propuesta más preciada en la búsqueda de un espacio de libertad y escucha. Estas obras quizás no consigan cambiar las grandes estructuras políticas y económicas, pero ofrecen alternativas a la relación con los contextos más próximos.

Texto: María Jáñez

ARTISTAS 2011

ARTISTAS 2010

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